Première promotion d’artistes : Droits
Ce premier appel à propositions était axé sur le thème des « droits » et s’est penché sur les complexités et les possibilités des féminismes africains en explorant les multiples dimensions des droits des femmes* — juridiques, sociales, politiques, économiques et culturelles — à travers diverses approches artistiques et féministes. Les droits des femmes* sont multiformes et recoupent des questions telles que la justice sociale, l’autonomisation économique, la santé, l’éducation et le droit à l’expression personnelle. Les œuvres présentées dans le cadre de « Droits » ont examiné ces dimensions dans leur sens le plus large, en célébrant les progrès accomplis, en portant un regard critique sur les luttes en cours et en envisageant de nouvelles voies vers l’égalité des genres à travers le continent.
Artistes (A-Z)
Description du projet
Asia Clarke
Canada/Ghana
Asia Clarke est une artiste, designer, coiffeuse et consultante afro-caribéenne et canadienne multidisciplinaire qui met l'accent sur la durabilité et la réflexion sur l'avenir dans ses diverses pratiques. Vivant entre Toronto et Accra, elle est passionnée par l'idée de repenser l'avenir et d'aider les communautés, les clients et les marques à envisager et à actualiser leur créativité. Avec plus de 15 ans d'expérience dans les arts, le développement international et la prospective stratégique, elle a travaillé sur des projets d'autonomisation économique des communautés et d'entrepreneuriat des jeunes au Canada, à la Dominique, à Trinidad, à l'eSwatini et au Ghana.
Canada/Ghana
Asia Clarke est une artiste, designer, coiffeuse et consultante afro-caribéenne et canadienne multidisciplinaire qui met l'accent sur la durabilité et la réflexion sur l'avenir dans ses diverses pratiques. Vivant entre Toronto et Accra, elle est passionnée par l'idée de repenser l'avenir et d'aider les communautés, les clients et les marques à envisager et à actualiser leur créativité. Avec plus de 15 ans d'expérience dans les arts, le développement international et la prospective stratégique, elle a travaillé sur des projets d'autonomisation économique des communautés et d'entrepreneuriat des jeunes au Canada, à la Dominique, à Trinidad, à l'eSwatini et au Ghana.
Le salon d'Ama
Photographie, 2025)
Situé en l'an 2056, Ama 's Salon mélange les traditions de coiffure ancestrales de la diaspora africaine avec une neurotechnologie prototypée, en utilisant la fiction spéculative comme outil pour réimaginer le salon de coiffure en tant que lieu de résistance communautaire et individuelle. Ama's Salon réinvente le salon de coiffure africain en tant que lieu de guérison communautaire, d'autodétermination, d'embellissement et de collecte de données dirigé par des femmes. Dans cet espace spéculatif, chaque tresse, torsade et parure fait partie d'une neurotechnologie de pointe conçue pour éveiller les vertus, modifier l'activité cérébrale, diminuer les souvenirs traumatiques et susciter un renouveau émotionnel.
Les créations d'Ama's Salon s'inspirent d'un puits profond de l'esthétique culturelle africaine, y compris le système Ashanti du symbolisme Adinkra. L'autonomisation collective est au cœur du projet ; perpétuer l'héritage des salons de coiffure en tant qu'institutions communautaires de transformation individuelle et partagée. Le Salon d'Ama abrite également une base de données de téléchargements neuronaux communautaires, appelant à une réflexion critique sur les implications futures de la surveillance des données sur nos esprits. Ici, les rituels de beauté africains deviennent des actes de libération, compliqués et politisés par la lutte imminente pour le droit à la vie privée à la dernière frontière : nos esprits.
Photographie, 2025)
Situé en l'an 2056, Ama 's Salon mélange les traditions de coiffure ancestrales de la diaspora africaine avec une neurotechnologie prototypée, en utilisant la fiction spéculative comme outil pour réimaginer le salon de coiffure en tant que lieu de résistance communautaire et individuelle. Ama's Salon réinvente le salon de coiffure africain en tant que lieu de guérison communautaire, d'autodétermination, d'embellissement et de collecte de données dirigé par des femmes. Dans cet espace spéculatif, chaque tresse, torsade et parure fait partie d'une neurotechnologie de pointe conçue pour éveiller les vertus, modifier l'activité cérébrale, diminuer les souvenirs traumatiques et susciter un renouveau émotionnel.
Les créations d'Ama's Salon s'inspirent d'un puits profond de l'esthétique culturelle africaine, y compris le système Ashanti du symbolisme Adinkra. L'autonomisation collective est au cœur du projet ; perpétuer l'héritage des salons de coiffure en tant qu'institutions communautaires de transformation individuelle et partagée. Le Salon d'Ama abrite également une base de données de téléchargements neuronaux communautaires, appelant à une réflexion critique sur les implications futures de la surveillance des données sur nos esprits. Ici, les rituels de beauté africains deviennent des actes de libération, compliqués et politisés par la lutte imminente pour le droit à la vie privée à la dernière frontière : nos esprits.
Diane Kaneza
Burundi
Depuis 15 ans, Diane Kaneza allie magistralement cinéma, communication audiovisuelle et journalisme. Sa passion pour l'image la pousse à raconter des histoires captivantes de son pays natal. Diplômée du Master 2 Cinéma Documentaire de Création (Université Gaston Berger de Saint louis - Sénégal), elle a produit le film « Mon Identité », qui résume son expertise dans l'acuité du regard documentaire et sa capacité à créer à partir du réel. « Mon identité » a été sélectionné aux Trophées Francophones du cinéma en 2018, présenté en clôture du festival du documentaire de Saint-Louis et présenté aux États Généraux du documentaire à Lussas. Il a également été projeté au Festival de Poitiers, dans la catégorie « Quand le Cinéma s'indigne » avec Amnesty International.
Burundi
Depuis 15 ans, Diane Kaneza allie magistralement cinéma, communication audiovisuelle et journalisme. Sa passion pour l'image la pousse à raconter des histoires captivantes de son pays natal. Diplômée du Master 2 Cinéma Documentaire de Création (Université Gaston Berger de Saint louis - Sénégal), elle a produit le film « Mon Identité », qui résume son expertise dans l'acuité du regard documentaire et sa capacité à créer à partir du réel. « Mon identité » a été sélectionné aux Trophées Francophones du cinéma en 2018, présenté en clôture du festival du documentaire de Saint-Louis et présenté aux États Généraux du documentaire à Lussas. Il a également été projeté au Festival de Poitiers, dans la catégorie « Quand le Cinéma s'indigne » avec Amnesty International.
ITONGO
(Documentaire, 2025)
Sans droits fonciers, les femmes restent économiquement dépendantes des hommes, ce qui renforce les inégalités entre les sexes. Depuis 2015, dans la province de Muyinga au nord du Burundi, de nouvelles pratiques ont été introduites en matière de certification foncière. Les hommes enregistrent leurs épouses sur les titres fonciers. Cela donne aux femmes de cette province une autonomie financière, car elles peuvent maintenant demander un prêt à une banque et ouvrir une entreprise pour assurer leur indépendance financière. Cette pratique est rarement popularisée, que ce soit chez les femmes instruites ou rurales. ITONGO vise à mettre en lumière cette approche qui montre qu'il existe des moyens possibles et prometteurs de garantir aux femmes la propriété des terres qu'elles cultivent. Le projet prend la forme d'un documentaire de 13 minutes centré sur deux femmes de la commune de Buhinyuza (province de Muyinga) qui, grâce à la certification foncière, sont aujourd'hui des modèles de réussite dans leurs communautés.
(Documentaire, 2025)
Sans droits fonciers, les femmes restent économiquement dépendantes des hommes, ce qui renforce les inégalités entre les sexes. Depuis 2015, dans la province de Muyinga au nord du Burundi, de nouvelles pratiques ont été introduites en matière de certification foncière. Les hommes enregistrent leurs épouses sur les titres fonciers. Cela donne aux femmes de cette province une autonomie financière, car elles peuvent maintenant demander un prêt à une banque et ouvrir une entreprise pour assurer leur indépendance financière. Cette pratique est rarement popularisée, que ce soit chez les femmes instruites ou rurales. ITONGO vise à mettre en lumière cette approche qui montre qu'il existe des moyens possibles et prometteurs de garantir aux femmes la propriété des terres qu'elles cultivent. Le projet prend la forme d'un documentaire de 13 minutes centré sur deux femmes de la commune de Buhinyuza (province de Muyinga) qui, grâce à la certification foncière, sont aujourd'hui des modèles de réussite dans leurs communautés.
Fayo Said
Netherlands /Ethiopia
Fayo Said est une artiste interdisciplinaire et chercheuse artistique originaire d'Amsterdam et d'Oromia (Éthiopie), qui travaille à la croisée de la culture visuelle, des pratiques archivistiques et de la mémoire africaine et afro-diasporique. Son travail consiste principalement à récupérer et à réactiver les archives africaines, en particulier celles d'Oromia, à travers la recherche artistique, la création d'expositions et la production culturelle.
Netherlands /Ethiopia
Fayo Said est une artiste interdisciplinaire et chercheuse artistique originaire d'Amsterdam et d'Oromia (Éthiopie), qui travaille à la croisée de la culture visuelle, des pratiques archivistiques et de la mémoire africaine et afro-diasporique. Son travail consiste principalement à récupérer et à réactiver les archives africaines, en particulier celles d'Oromia, à travers la recherche artistique, la création d'expositions et la production culturelle.
Sacré
(Vidéo et texte, 2025)
Ce projet explore le concept de wayyuu, un cadre moral et spirituel central à la culture oromo, et examine son potentiel à informer la pratique féministe et la défense des droits des femmes en Afrique. Le wayyuu, souvent décrit comme un État sacré et vénéré, régit la façon dont les individus et les communautés interagissent les uns avec les autres avec respect et équilibre. Il incarne un code de conduite qui élève le respect des femmes*, de la nature et de l'harmonie sociétale. Dans la culture oromo, wayyuu est souvent associé aux femmes*, qui sont considérées comme les porteuses de ce rôle sacré. Cependant, dans la pratique, cette vénération pour les femmes* peut être paradoxalement liée à leur soumission aux structures patriarcales, où elles sont à la fois élevées et confinées. En revisitant le wayyuu et d'autres cadres culturels des sociétés africaines, ce projet examine comment les traditions autochtones peuvent à la fois renforcer et remettre en question les inégalités entre les sexes. L'œuvre aborde de manière critique la façon dont les périodes coloniales et postcoloniales ont façonné les relations entre les sexes et comment la réappropriation de traditions culturelles comme le wayyuu peut offrir de nouvelles voies pour atteindre l'égalité entre les sexes.
(Vidéo et texte, 2025)
Ce projet explore le concept de wayyuu, un cadre moral et spirituel central à la culture oromo, et examine son potentiel à informer la pratique féministe et la défense des droits des femmes en Afrique. Le wayyuu, souvent décrit comme un État sacré et vénéré, régit la façon dont les individus et les communautés interagissent les uns avec les autres avec respect et équilibre. Il incarne un code de conduite qui élève le respect des femmes*, de la nature et de l'harmonie sociétale. Dans la culture oromo, wayyuu est souvent associé aux femmes*, qui sont considérées comme les porteuses de ce rôle sacré. Cependant, dans la pratique, cette vénération pour les femmes* peut être paradoxalement liée à leur soumission aux structures patriarcales, où elles sont à la fois élevées et confinées. En revisitant le wayyuu et d'autres cadres culturels des sociétés africaines, ce projet examine comment les traditions autochtones peuvent à la fois renforcer et remettre en question les inégalités entre les sexes. L'œuvre aborde de manière critique la façon dont les périodes coloniales et postcoloniales ont façonné les relations entre les sexes et comment la réappropriation de traditions culturelles comme le wayyuu peut offrir de nouvelles voies pour atteindre l'égalité entre les sexes.
Irene A’mosi
Angola
Irene A'mosi est une artiste qui explore le mot comme principal moyen d'expression. Avec un travail qui couvre la littérature, le spoken word, le cinéma et l'installation, Irene A'mosi plonge dans les problèmes quotidiens, révélant des détails subtils qui échappent souvent à la perception de l'observateur. Son travail cherche à dévoiler la poétique de l'ordinaire, transformant ce qui semblait banal en une réflexion profonde sur la vie contemporaine.
Angola
Irene A'mosi est une artiste qui explore le mot comme principal moyen d'expression. Avec un travail qui couvre la littérature, le spoken word, le cinéma et l'installation, Irene A'mosi plonge dans les problèmes quotidiens, révélant des détails subtils qui échappent souvent à la perception de l'observateur. Son travail cherche à dévoiler la poétique de l'ordinaire, transformant ce qui semblait banal en une réflexion profonde sur la vie contemporaine.
This Character is a Woman (Ce personnage est une femme)
(Vidéo et installation, 2025)
This Character is a Woman est un projet artistique qui explore la vie et les luttes des zungueiras, des femmes angolaises travaillant sur le marché de rue informel, qui sont confrontées à la violence de l'État, à la brutalité policière et à la vulnérabilité économique. À travers la vidéo, la performance et l'installation, le projet dénonce l'image romancée de ces femmes comme symboles de résilience, révélant les dures réalités qu'elles endurent au quotidien.
Au cœur de l'œuvre se trouve une performance dans laquelle plus de 100 rodilhas usés – des coiffes en tissu utilisées pour transporter des marchandises – sont échangées contre de nouvelles dans des actes de sororité et de solidarité. Les vieux radis sont transformés en objets d'art, préservant les histoires de leurs propriétaires, dont beaucoup ont souffert ou ont été réduits au silence par la violence systémique.
L'exposition présente une robe saisissante de 20 kg fabriquée à partir de ces rodilhas, incarnant à la fois la beauté et le fardeau. Cette pièce remet en question les notions de glamour tout en symbolisant le poids littéral et émotionnel que ces femmes portent. This Character is a Woman est un hommage à leur force, à leur visibilité et à leur résistance.
(Vidéo et installation, 2025)
This Character is a Woman est un projet artistique qui explore la vie et les luttes des zungueiras, des femmes angolaises travaillant sur le marché de rue informel, qui sont confrontées à la violence de l'État, à la brutalité policière et à la vulnérabilité économique. À travers la vidéo, la performance et l'installation, le projet dénonce l'image romancée de ces femmes comme symboles de résilience, révélant les dures réalités qu'elles endurent au quotidien.
Au cœur de l'œuvre se trouve une performance dans laquelle plus de 100 rodilhas usés – des coiffes en tissu utilisées pour transporter des marchandises – sont échangées contre de nouvelles dans des actes de sororité et de solidarité. Les vieux radis sont transformés en objets d'art, préservant les histoires de leurs propriétaires, dont beaucoup ont souffert ou ont été réduits au silence par la violence systémique.
L'exposition présente une robe saisissante de 20 kg fabriquée à partir de ces rodilhas, incarnant à la fois la beauté et le fardeau. Cette pièce remet en question les notions de glamour tout en symbolisant le poids littéral et émotionnel que ces femmes portent. This Character is a Woman est un hommage à leur force, à leur visibilité et à leur résistance.
Deuxième promotion d’artistes : Représentation
Le deuxième appel à propositions a exploré le thème de la « Représentation » à travers des perspectives féministes africaines. Les œuvres sélectionnées examinent la manière dont les femmes* occupent, façonnent et transforment les médias, la politique et les espaces culturels, tout en remettant en cause les représentations dédaigneuses ou réductrices. À travers des prismes politiques, sociaux, culturels, intellectuels et spirituels, ces projets affirment la complexité, l’autonomie et l’expérience vécue des femmes*.
Artists (A-Z)
Project Description
Bel Neto
Angola
En mémoire de l'artiste, décédé avant que cette œuvre ne soit terminée
Bel Neto est un artisan des mots (interprète de la littérature et du spoken word) originaire d'Angola. Elle a publié trois œuvres littéraires, réalise des projets de design graphique pour des œuvres littéraires, est membre du jury de concours littéraires nationaux, travaille avec des enfants (littératie, poésie, récitation, théâtre, culture générale) et adore écrire sur les droits des femmes.
Titulaire d'un diplôme en langue et communication portugaises de l'Université méthodiste d'Angola, Bel Neto est connue pour son écriture viscérale, marquée par des thèmes tels que le féminisme, la spiritualité, l'érotisme et la critique sociale. Son travail remet en question les conventions et expose courageusement la complexité des femmes africaines, leurs douleurs, leurs désirs et leurs résistances.
Cantares de Liberdade (Songs of Freedom)
Cantares de Liberdade (Chants de Liberté) est un court-métrage hybride qui combine mise en scène documentaire et poétique, dédié à la reprise de la musique comme territoire de résistance, de mémoire et d'affirmation féministe africaine. Le projet découle de l'urgence de repositionner les femmes africaines comme protagonistes de leurs propres récits, déconstruisant les stéréotypes culturels et politiques qui ont historiquement limité leurs représentations.
L'œuvre construit des ponts entre les générations, établissant des analogies entre des voix emblématiques telles que Miriam Makeba, Lourdes Van-Dúnem, Girinha et Pérola, qui ont toutes défié les régimes oppressifs et ouvert la voie à de nouveaux artistes, ainsi qu'à des créateurs contemporains qui continuent de transformer les réalités.
Cantares de Liberdade (Chants de Liberté) est un court-métrage hybride qui combine mise en scène documentaire et poétique, dédié à la reprise de la musique comme territoire de résistance, de mémoire et d'affirmation féministe africaine. Le projet découle de l'urgence de repositionner les femmes africaines comme protagonistes de leurs propres récits, déconstruisant les stéréotypes culturels et politiques qui ont historiquement limité leurs représentations.
L'œuvre construit des ponts entre les générations, établissant des analogies entre des voix emblématiques telles que Miriam Makeba, Lourdes Van-Dúnem, Girinha et Pérola, qui ont toutes défié les régimes oppressifs et ouvert la voie à de nouveaux artistes, ainsi qu'à des créateurs contemporains qui continuent de transformer les réalités.
Eltina Gaspar
Angola
Eltina Gaspar est une artiste visuelle originaire de Luanda, en Angola, travaillant avec la photographie et la vidéo comme outils de résistance, de communication et de réflexion sociale. Sa pratique porte sur les droits humains, la justice sociale et les expériences vécues des communautés marginalisées, en particulier des femmes. À travers un prisme engagé politiquement et poétique, elle explore les thèmes de la mémoire, de la protestation, du soin et de la survie dans le contexte social et historique de l'Angola.
Eltina a réalisé des courts-métrages et des documentaires primés, exposé son travail au niveau national et international, et participé à plusieurs résidences artistiques. Elle a également travaillé comme productrice et directrice artistique pour des clips musicaux et a été mentore dans des programmes créatifs. Elle est ancienne élève de la MultiChoice Talent Factory (MTF Academy) en Zambie.
Angola
Eltina Gaspar est une artiste visuelle originaire de Luanda, en Angola, travaillant avec la photographie et la vidéo comme outils de résistance, de communication et de réflexion sociale. Sa pratique porte sur les droits humains, la justice sociale et les expériences vécues des communautés marginalisées, en particulier des femmes. À travers un prisme engagé politiquement et poétique, elle explore les thèmes de la mémoire, de la protestation, du soin et de la survie dans le contexte social et historique de l'Angola.
Eltina a réalisé des courts-métrages et des documentaires primés, exposé son travail au niveau national et international, et participé à plusieurs résidences artistiques. Elle a également travaillé comme productrice et directrice artistique pour des clips musicaux et a été mentore dans des programmes créatifs. Elle est ancienne élève de la MultiChoice Talent Factory (MTF Academy) en Zambie.
Thrive, I Am Still Here
Thrive, I Am Still Here » est un projet artistique puissant sur la résistance, la présence et l'affirmation des femmes aveugles et sourdes dans des contextes d'exclusion et d'invisibilité. À travers la photographie, il révèle comment ils créent, occupent et maintiennent des espaces physiques, émotionnels, sociaux et symboliques pour affirmer leur existence.
Plus que survivre, elles construisent des réseaux de soins, d'écoute, de solidarité et d'autonomie, transformant le quotidien en un lieu de lutte et d'affirmation. Le projet propose une réflexion sensible mais politique sur le corps féminin, la mémoire et la voix, mettant en lumière des gestes de soin et une résistance collective, souvent silencieuse. Elle affirme la résistance non seulement comme une condition, mais comme une construction active de l'avenir, de la mémoire et de la transformation sociale.
Thrive, I Am Still Here » est un projet artistique puissant sur la résistance, la présence et l'affirmation des femmes aveugles et sourdes dans des contextes d'exclusion et d'invisibilité. À travers la photographie, il révèle comment ils créent, occupent et maintiennent des espaces physiques, émotionnels, sociaux et symboliques pour affirmer leur existence.
Plus que survivre, elles construisent des réseaux de soins, d'écoute, de solidarité et d'autonomie, transformant le quotidien en un lieu de lutte et d'affirmation. Le projet propose une réflexion sensible mais politique sur le corps féminin, la mémoire et la voix, mettant en lumière des gestes de soin et une résistance collective, souvent silencieuse. Elle affirme la résistance non seulement comme une condition, mais comme une construction active de l'avenir, de la mémoire et de la transformation sociale.
Mélisa Kayowa
Kayowa, République démocratique du Congo
Mélisa Kayowa est une artiste visuelle et tisseranda congolaise basée à Kinshasa. Lauréate du Seed Award 2025 du Prince Claus Fund, elle a développé une approche qui met en tension les pratiques ancestrales congolaises et la modernité, donnant naissance à une esthétique « tradimoderne ». Son œuvre propose un dialogue entre l'intime et le collectif, où l'art textile devient un espace de mémoire, d'émotion et de réflexion.
Elle explore des thèmes tels que l'absence, la perte et la peur, et transpose ses sentiments les plus profonds à travers divers médiums. Cette diversité formelle reflète les mécanismes de l'esprit et la complexité des processus internes.
Kayowa, République démocratique du Congo
Mélisa Kayowa est une artiste visuelle et tisseranda congolaise basée à Kinshasa. Lauréate du Seed Award 2025 du Prince Claus Fund, elle a développé une approche qui met en tension les pratiques ancestrales congolaises et la modernité, donnant naissance à une esthétique « tradimoderne ». Son œuvre propose un dialogue entre l'intime et le collectif, où l'art textile devient un espace de mémoire, d'émotion et de réflexion.
Elle explore des thèmes tels que l'absence, la perte et la peur, et transpose ses sentiments les plus profonds à travers divers médiums. Cette diversité formelle reflète les mécanismes de l'esprit et la complexité des processus internes.
Weaving Silence
Tisser le silence » est une exploration dans laquelle la broderie de Kuba devient un territoire de mémoire et de résistance. Le projet ne cherche pas à archiver ces textiles, mais à les redonner à la vie, révélant la friction entre transmission et effacement, parole et silence, continuité et oubli. À travers la rencontre entre le savoir ancestral et la technologie, l'intelligence artificielle numérise les motifs, interprète les gestes et ouvre un espace de dialogue où le tissu réagit aux humains.
Cette connexion offre à la broderie une nouvelle étape de visibilité et réactive ce que les récits historiques ont longtemps gardé en arrière-plan : les voix et le savoir des femmes. Chaque œuvre devient une page narrative suspendue entre le passé et le futur, un fragment d'histoire ramené à la vie.
Tisser le silence » est une exploration dans laquelle la broderie de Kuba devient un territoire de mémoire et de résistance. Le projet ne cherche pas à archiver ces textiles, mais à les redonner à la vie, révélant la friction entre transmission et effacement, parole et silence, continuité et oubli. À travers la rencontre entre le savoir ancestral et la technologie, l'intelligence artificielle numérise les motifs, interprète les gestes et ouvre un espace de dialogue où le tissu réagit aux humains.
Cette connexion offre à la broderie une nouvelle étape de visibilité et réactive ce que les récits historiques ont longtemps gardé en arrière-plan : les voix et le savoir des femmes. Chaque œuvre devient une page narrative suspendue entre le passé et le futur, un fragment d'histoire ramené à la vie.
Mmakhotso Lamola
Afrique du Sud
Mmakhotso Lamola est architecte, artiste interdisciplinaire, chercheur et écrivain basé au Cap.
Son travail navigue dans les espaces interstitiels entre disciplines, s'engageant dans une pratique basée sur le processus qui examine les paysages émotionnels de l'espace urbain. Elle explore la « ville invisible » — les couches intangibles, spirituelles et atmosphériques de l'urbanité — pour explorer l'appartenance et l'agence. En déterrant des récits moins connus, elle cherche à créer des modes d'archivage plus doux et personnels qui compliquent les compréhensions simplistes des villes et des communautés. Lamola accorde la priorité au rétablissement, à la guérison et à l'écoute dans ses recherches, défendant la vulnérabilité et de nouveaux langages spatiaux favorisant l'inclusivité, en particulier dans les contextes post-coloniaux.
Elle a été artiste en résidence au New Dimensions Lab d'Electric South (2024), à l'Akademie Schloss Solitude (2022), au Pogon Jedinstvo Zagreb Centre (2022), et d'autres. Sa poésie figure dans « New Landscapes Anthology » et « Visions of Home » de Lungs Project, tandis que ses écrits figurent dans les « publications Pumflet » de Wolff Architects. Elle a fondé « The Belonging Collective Archive » et a reçu en 2024 le mentorat Prince Claus Building Beyond, explorant son projet « A Map Home ».
Afrique du Sud
Mmakhotso Lamola est architecte, artiste interdisciplinaire, chercheur et écrivain basé au Cap.
Son travail navigue dans les espaces interstitiels entre disciplines, s'engageant dans une pratique basée sur le processus qui examine les paysages émotionnels de l'espace urbain. Elle explore la « ville invisible » — les couches intangibles, spirituelles et atmosphériques de l'urbanité — pour explorer l'appartenance et l'agence. En déterrant des récits moins connus, elle cherche à créer des modes d'archivage plus doux et personnels qui compliquent les compréhensions simplistes des villes et des communautés. Lamola accorde la priorité au rétablissement, à la guérison et à l'écoute dans ses recherches, défendant la vulnérabilité et de nouveaux langages spatiaux favorisant l'inclusivité, en particulier dans les contextes post-coloniaux.
Elle a été artiste en résidence au New Dimensions Lab d'Electric South (2024), à l'Akademie Schloss Solitude (2022), au Pogon Jedinstvo Zagreb Centre (2022), et d'autres. Sa poésie figure dans « New Landscapes Anthology » et « Visions of Home » de Lungs Project, tandis que ses écrits figurent dans les « publications Pumflet » de Wolff Architects. Elle a fondé « The Belonging Collective Archive » et a reçu en 2024 le mentorat Prince Claus Building Beyond, explorant son projet « A Map Home ».
A Map Home
A Map Home est un projet de recherche et artistique multidisciplinaire à long terme dédié à la récupération d'histoires négligées et à la lutte contre les effacements produits par des archives coloniales violentes. Il s'interroge sur la manière dont l'art pourrait retrouver la mauvaise représentation — en particulier des figures féminines et enfantines noires — de manière à permettre la dignité, la guérison, la célébration et le repos, et comment nous pourrions restituer ce qui ne peut être physiquement rendu : des voix réduites au silence et des histoires intangibles d'appartenance.
Le projet se concentre sur la vie de Sara Baartman, une femme autochtone sud-africaine emmenée en Europe au début des années 1800 et exposée publiquement déshumanisante. Son histoire incarne le paradoxe de l'hypervisibilité et de l'effacement. Bien que ses restes aient été rapatriés en 2002, les dimensions immatérielles de sa vie restent non résolues. A Map Home : The Return est un court-métrage poétique et immersif à 360° retraçant le voyage symbolique de Baartman de Paris au désert du Karoo, avançant vers la mémoire collective, la restitution et la possibilité du repos.
A Map Home est un projet de recherche et artistique multidisciplinaire à long terme dédié à la récupération d'histoires négligées et à la lutte contre les effacements produits par des archives coloniales violentes. Il s'interroge sur la manière dont l'art pourrait retrouver la mauvaise représentation — en particulier des figures féminines et enfantines noires — de manière à permettre la dignité, la guérison, la célébration et le repos, et comment nous pourrions restituer ce qui ne peut être physiquement rendu : des voix réduites au silence et des histoires intangibles d'appartenance.
Le projet se concentre sur la vie de Sara Baartman, une femme autochtone sud-africaine emmenée en Europe au début des années 1800 et exposée publiquement déshumanisante. Son histoire incarne le paradoxe de l'hypervisibilité et de l'effacement. Bien que ses restes aient été rapatriés en 2002, les dimensions immatérielles de sa vie restent non résolues. A Map Home : The Return est un court-métrage poétique et immersif à 360° retraçant le voyage symbolique de Baartman de Paris au désert du Karoo, avançant vers la mémoire collective, la restitution et la possibilité du repos.
Sarah Mounia Kachiri
Maroc
Sarah Mounia Kachiri est cinéaste et commissaire d'exposition. Elle a étudié le cinéma à l'école de cinéma auto-organisée FilmArche à Berlin et à l'ESAV Marrakech ; sa pratique explore les thèmes de la mémoire spatiale et de la transmission intergénérationnelle. Son film The Holy Mountain a été projeté au My First Doc International Festival à Tunis en 2024 et a depuis été projeté sur les deux rives de la Méditerranée. Elle a également mis en scène La Porte Bleue, présentée dans le cadre de l'exposition annuelle 2025 à l'espace artistique Dar Bellarj à Marrakech. Son œuvre expérimentale On the River, We Celebrated a été projetée au Festival international d'art vidéo FUSO à Lisbonne. Sarah a également cofondé Film w Glissa, une plateforme dédiée à l'exposition et à la création de films, célébrant les cinémas des « Sud globaux » et leurs diasporas.
Maroc
Sarah Mounia Kachiri est cinéaste et commissaire d'exposition. Elle a étudié le cinéma à l'école de cinéma auto-organisée FilmArche à Berlin et à l'ESAV Marrakech ; sa pratique explore les thèmes de la mémoire spatiale et de la transmission intergénérationnelle. Son film The Holy Mountain a été projeté au My First Doc International Festival à Tunis en 2024 et a depuis été projeté sur les deux rives de la Méditerranée. Elle a également mis en scène La Porte Bleue, présentée dans le cadre de l'exposition annuelle 2025 à l'espace artistique Dar Bellarj à Marrakech. Son œuvre expérimentale On the River, We Celebrated a été projetée au Festival international d'art vidéo FUSO à Lisbonne. Sarah a également cofondé Film w Glissa, une plateforme dédiée à l'exposition et à la création de films, célébrant les cinémas des « Sud globaux » et leurs diasporas.
If Only Youth Could Return Some Day
'If Only Youth Could Return Some Day est une pièce sonore qui explore la résilience, la transmission et la mémoire à travers la narration orale, le chant et des voix polyphoniques. Ancrée dans les traditions orales marocaines, l'œuvre émerge de questions spéculatives sur l'avenir et trouve ses réponses en écoutant les voix vibrantes d'une communauté réunie dans un centre culturel au cœur de Marrakech. Tissant ensemble les voix de différentes femmes, l'article réfléchit à la possibilité de s'accrocher aux rêves en temps de crise et à l'effacement des voix féminines des espaces politiques. Par l'expression orale, elle présente le son à la fois comme un acte poétique et politique, où la mémoire devient une forme de résistance.
'If Only Youth Could Return Some Day est une pièce sonore qui explore la résilience, la transmission et la mémoire à travers la narration orale, le chant et des voix polyphoniques. Ancrée dans les traditions orales marocaines, l'œuvre émerge de questions spéculatives sur l'avenir et trouve ses réponses en écoutant les voix vibrantes d'une communauté réunie dans un centre culturel au cœur de Marrakech. Tissant ensemble les voix de différentes femmes, l'article réfléchit à la possibilité de s'accrocher aux rêves en temps de crise et à l'effacement des voix féminines des espaces politiques. Par l'expression orale, elle présente le son à la fois comme un acte poétique et politique, où la mémoire devient une forme de résistance.
Taiwo Aiyedogbon
Nigeria
Taiwo Aiyedogbon est un artiste visuel basé à Lagos et le fondateur de l'espace d'atelier partagé et de la résidence, 1–98 Art Studio. Travaillant à travers la peinture, le dessin expérimental, la sculpture, l'installation et la performance, sa pratique s'enracine dans une compréhension élargie de la matérialité et de l'expérience incarnée. À travers ces médias divers, Aiyedogbon s'engage de manière critique avec les histoires, la mémoire culturelle et les conditions environnementales qui façonnent la vie quotidienne à Lagos.
Ses travaux récents portent sur les expériences vécues des femmes comme lieux de savoir et de résistance, examinant la décolonisation comme un processus à la fois politique et intime. En mettant en avant le corps, le rituel et l'intervention spatiale, sa pratique crée des espaces de dialogue qui remettent en question les structures héritées de pouvoir et de représentation. L'œuvre d'Aiyedogbon s'articule à l'intersection du récit personnel et de l'histoire collective, proposant des façons alternatives de voir, de se souvenir et d'habiter le présent.
Nigeria
Taiwo Aiyedogbon est un artiste visuel basé à Lagos et le fondateur de l'espace d'atelier partagé et de la résidence, 1–98 Art Studio. Travaillant à travers la peinture, le dessin expérimental, la sculpture, l'installation et la performance, sa pratique s'enracine dans une compréhension élargie de la matérialité et de l'expérience incarnée. À travers ces médias divers, Aiyedogbon s'engage de manière critique avec les histoires, la mémoire culturelle et les conditions environnementales qui façonnent la vie quotidienne à Lagos.
Ses travaux récents portent sur les expériences vécues des femmes comme lieux de savoir et de résistance, examinant la décolonisation comme un processus à la fois politique et intime. En mettant en avant le corps, le rituel et l'intervention spatiale, sa pratique crée des espaces de dialogue qui remettent en question les structures héritées de pouvoir et de représentation. L'œuvre d'Aiyedogbon s'articule à l'intersection du récit personnel et de l'histoire collective, proposant des façons alternatives de voir, de se souvenir et d'habiter le présent.
Follow the Mask, the Pathway to the Sun
"Follow the Mask, the Pathway to the Sun » explore l'incarnation féminine, l'espace urbain et la mémoire culturelle à travers un engagement performatif avec le masque Gẹ̀lẹ̀dẹ́ sur l'île de Lagos. En traversant des sites historiques clés — notamment l'hippodrome, le Freedom Park, le Musée National et la place Tafawa Balewa — le projet active l'architecture à la fois comme archive et en scène.
Dans une procession chorégraphiée, cinq femmes vêtues de costumes masculins éclatants incarnent le masque traditionnellement masculin de Gẹ̀lẹ̀dẹ́, créant un tableau vivant de pouvoir et de transformation. En plaçant les femmes au centre de cette forme rituelle, l'œuvre réinterprète la tradition et interroge les constructions de la féminité, de l'autorité et de la représentation.
Positionnant les corps des femmes comme agents de mémoire et de résistance culturelles, le projet fait le lien entre performance et intervention spatiale, affirmant le rôle central des femmes dans la formation des paysages sociaux, culturels et spirituels.
"Follow the Mask, the Pathway to the Sun » explore l'incarnation féminine, l'espace urbain et la mémoire culturelle à travers un engagement performatif avec le masque Gẹ̀lẹ̀dẹ́ sur l'île de Lagos. En traversant des sites historiques clés — notamment l'hippodrome, le Freedom Park, le Musée National et la place Tafawa Balewa — le projet active l'architecture à la fois comme archive et en scène.
Dans une procession chorégraphiée, cinq femmes vêtues de costumes masculins éclatants incarnent le masque traditionnellement masculin de Gẹ̀lẹ̀dẹ́, créant un tableau vivant de pouvoir et de transformation. En plaçant les femmes au centre de cette forme rituelle, l'œuvre réinterprète la tradition et interroge les constructions de la féminité, de l'autorité et de la représentation.
Positionnant les corps des femmes comme agents de mémoire et de résistance culturelles, le projet fait le lien entre performance et intervention spatiale, affirmant le rôle central des femmes dans la formation des paysages sociaux, culturels et spirituels.
Thandeka Mfinyongo
Afrique du Sud
Thandeka Mfinyongo est un musicien sud-africain né et élevé à Nyanga Est, au Cap. Elle est titulaire d'un diplôme d'interprète en musique (2017) et d'un diplôme avancé en musique africaine (2018) de l'Université du Cap, ainsi que d'un master en interprétation musicale de la SOAS, Université de Londres (2020), où elle s'est spécialisée dans la kora. Elle prépare actuellement un doctorat en ethnomusicologie à l'Université Rhodes et enseigne la musique africaine à la North-West University. Mfinyongo est spécialisé dans les archets musicaux xhosa, l'uhadi et l'umrhubhe, et a collaboré avec des artistes tels que feu le Dr Madosini et Dumza Maswana. Elle a participé à la résidence Africa Multiple Cluster of Excellence à l'Université de Bayreuth (2024/25) en Allemagne et à la résidence AIRIE aux États-Unis. Elle s'est produite au niveau national et international, notamment au Hong Kong Performing Arts Expo (2024).
Afrique du Sud
Thandeka Mfinyongo est un musicien sud-africain né et élevé à Nyanga Est, au Cap. Elle est titulaire d'un diplôme d'interprète en musique (2017) et d'un diplôme avancé en musique africaine (2018) de l'Université du Cap, ainsi que d'un master en interprétation musicale de la SOAS, Université de Londres (2020), où elle s'est spécialisée dans la kora. Elle prépare actuellement un doctorat en ethnomusicologie à l'Université Rhodes et enseigne la musique africaine à la North-West University. Mfinyongo est spécialisé dans les archets musicaux xhosa, l'uhadi et l'umrhubhe, et a collaboré avec des artistes tels que feu le Dr Madosini et Dumza Maswana. Elle a participé à la résidence Africa Multiple Cluster of Excellence à l'Université de Bayreuth (2024/25) en Allemagne et à la résidence AIRIE aux États-Unis. Elle s'est produite au niveau national et international, notamment au Hong Kong Performing Arts Expo (2024).
Strings of Representation
« Strings of Representation » réimagine l'uhadi, l'arc de la courge xhosa, à la fois comme instrument de musique et archive féministe du savoir, de l'autonomie et de la mémoire culturelle des femmes. Traditionnellement fabriqué et joué par des femmes, l'uhadi porte des pratiques intergénérationnelles de soin et de narration, mais l'ethnographie coloniale et les histoires musicales patriarcales ont souvent marginalisé à la fois l'instrument et ses gardiens. Le projet présente la création et l'interprétation de l'uhadi comme un acte féministe de représentation.
Adaptant une exposition-atelier antérieure à l'Université de Bayreuth (2024/25), le projet prend une forme numérique. Un film de 10 à 12 minutes retrace la transformation des matières premières en instruments et en performance, entremêlée d'histoires orales des femmes. Un reportage photo met en avant des mains sculptant et encordant l'arc, mettant en avant des gestes de soin, de créativité et de résilience. Ensemble, ces œuvres présentent l'uhadi comme une pratique matérielle qui résiste à l'effacement et amplifie les voix des femmes.
« Strings of Representation » réimagine l'uhadi, l'arc de la courge xhosa, à la fois comme instrument de musique et archive féministe du savoir, de l'autonomie et de la mémoire culturelle des femmes. Traditionnellement fabriqué et joué par des femmes, l'uhadi porte des pratiques intergénérationnelles de soin et de narration, mais l'ethnographie coloniale et les histoires musicales patriarcales ont souvent marginalisé à la fois l'instrument et ses gardiens. Le projet présente la création et l'interprétation de l'uhadi comme un acte féministe de représentation.
Adaptant une exposition-atelier antérieure à l'Université de Bayreuth (2024/25), le projet prend une forme numérique. Un film de 10 à 12 minutes retrace la transformation des matières premières en instruments et en performance, entremêlée d'histoires orales des femmes. Un reportage photo met en avant des mains sculptant et encordant l'arc, mettant en avant des gestes de soin, de créativité et de résilience. Ensemble, ces œuvres présentent l'uhadi comme une pratique matérielle qui résiste à l'effacement et amplifie les voix des femmes.
The Owl Concept
Cameroon
The Owl Concept est un collectif artistique fondé le 26 avril 2025, réunissant deux artistes visuels camerounais engagés dans une approche contemporaine et réfléchie. Synthia Ornella Masso Kenmogne (Kesyma), artiste visuelle, poétesse et interprète, explore les relations humaines et l'affirmation de soi à travers la peinture, l'écriture et la performance. Le prince Moreille Kamla, artiste visuel et graphiste, développe des recherches axées sur l'identité et la crise culturelle à travers son concept Identités floues. Ensemble, ils œuvrent à promouvoir l'art, la collaboration et l'innovation sur les scènes nationales et internationales.
Cameroon
The Owl Concept est un collectif artistique fondé le 26 avril 2025, réunissant deux artistes visuels camerounais engagés dans une approche contemporaine et réfléchie. Synthia Ornella Masso Kenmogne (Kesyma), artiste visuelle, poétesse et interprète, explore les relations humaines et l'affirmation de soi à travers la peinture, l'écriture et la performance. Le prince Moreille Kamla, artiste visuel et graphiste, développe des recherches axées sur l'identité et la crise culturelle à travers son concept Identités floues. Ensemble, ils œuvrent à promouvoir l'art, la collaboration et l'innovation sur les scènes nationales et internationales.
AfroFéminités : Visages de la Représentation
Ce projet, AfroFemininities : Faces of Representation, examine la représentation des femmes africaines à travers une perspective féministe afrocentrique. Partant de l'observation que les images des femmes noires ont longtemps été façonnées par des héritages coloniaux et patriarcaux, le projet recentrale les récits sur leurs propres voix, souvenirs, corps et imaginaires. L'approche est structurée autour de quatre axes : la mémoire et la transmission des connaissances ; l'affirmation du corps noir comme espace de pouvoir ; la réinterprétation contemporaine des héritages spirituels et mythologiques ; et l'imagination d'avenirs dans lesquels les femmes africaines occupent une place centrale.
Ce projet, AfroFemininities : Faces of Representation, examine la représentation des femmes africaines à travers une perspective féministe afrocentrique. Partant de l'observation que les images des femmes noires ont longtemps été façonnées par des héritages coloniaux et patriarcaux, le projet recentrale les récits sur leurs propres voix, souvenirs, corps et imaginaires. L'approche est structurée autour de quatre axes : la mémoire et la transmission des connaissances ; l'affirmation du corps noir comme espace de pouvoir ; la réinterprétation contemporaine des héritages spirituels et mythologiques ; et l'imagination d'avenirs dans lesquels les femmes africaines occupent une place centrale.
