Artistes (A-Z)
Description du projet
Asia Clarke
Asia Clarke est une artiste, designer, coiffeuse et consultante afro-caribéenne et canadienne multidisciplinaire qui met l'accent sur la durabilité et la réflexion sur l'avenir dans ses diverses pratiques. Vivant entre Toronto et Accra, elle est passionnée par l'idée de repenser l'avenir et d'aider les communautés, les clients et les marques à envisager et à actualiser leur créativité. Avec plus de 15 ans d'expérience dans les arts, le développement international et la prospective stratégique, elle a travaillé sur des projets d'autonomisation économique des communautés et d'entrepreneuriat des jeunes au Canada, à la Dominique, à Trinidad, à l'eSwatini et au Ghana.
Asia Clarke est une artiste, designer, coiffeuse et consultante afro-caribéenne et canadienne multidisciplinaire qui met l'accent sur la durabilité et la réflexion sur l'avenir dans ses diverses pratiques. Vivant entre Toronto et Accra, elle est passionnée par l'idée de repenser l'avenir et d'aider les communautés, les clients et les marques à envisager et à actualiser leur créativité. Avec plus de 15 ans d'expérience dans les arts, le développement international et la prospective stratégique, elle a travaillé sur des projets d'autonomisation économique des communautés et d'entrepreneuriat des jeunes au Canada, à la Dominique, à Trinidad, à l'eSwatini et au Ghana.
Le salon d'Ama
(Photographie, 2025)
Situé en l'an 2056, Ama 's Salon mélange les traditions de coiffure ancestrales de la diaspora africaine avec une neurotechnologie prototypée, en utilisant la fiction spéculative comme outil pour réimaginer le salon de coiffure en tant que lieu de résistance communautaire et individuelle. Ama's Salon réinvente le salon de coiffure africain en tant que lieu de guérison communautaire, d'autodétermination, d'embellissement et de collecte de données dirigé par des femmes. Dans cet espace spéculatif, chaque tresse, torsade et parure fait partie d'une neurotechnologie de pointe conçue pour éveiller les vertus, modifier l'activité cérébrale, diminuer les souvenirs traumatiques et susciter un renouveau émotionnel.
Les créations d'Ama's Salon s'inspirent d'un puits profond de l'esthétique culturelle africaine, y compris le système Ashanti du symbolisme Adinkra. L'autonomisation collective est au cœur du projet ; perpétuer l'héritage des salons de coiffure en tant qu'institutions communautaires de transformation individuelle et partagée. Le Salon d'Ama abrite également une base de données de téléchargements neuronaux communautaires, appelant à une réflexion critique sur les implications futures de la surveillance des données sur nos esprits. Ici, les rituels de beauté africains deviennent des actes de libération, compliqués et politisés par la lutte imminente pour le droit à la vie privée à la dernière frontière : nos esprits.
(Photographie, 2025)
Situé en l'an 2056, Ama 's Salon mélange les traditions de coiffure ancestrales de la diaspora africaine avec une neurotechnologie prototypée, en utilisant la fiction spéculative comme outil pour réimaginer le salon de coiffure en tant que lieu de résistance communautaire et individuelle. Ama's Salon réinvente le salon de coiffure africain en tant que lieu de guérison communautaire, d'autodétermination, d'embellissement et de collecte de données dirigé par des femmes. Dans cet espace spéculatif, chaque tresse, torsade et parure fait partie d'une neurotechnologie de pointe conçue pour éveiller les vertus, modifier l'activité cérébrale, diminuer les souvenirs traumatiques et susciter un renouveau émotionnel.
Les créations d'Ama's Salon s'inspirent d'un puits profond de l'esthétique culturelle africaine, y compris le système Ashanti du symbolisme Adinkra. L'autonomisation collective est au cœur du projet ; perpétuer l'héritage des salons de coiffure en tant qu'institutions communautaires de transformation individuelle et partagée. Le Salon d'Ama abrite également une base de données de téléchargements neuronaux communautaires, appelant à une réflexion critique sur les implications futures de la surveillance des données sur nos esprits. Ici, les rituels de beauté africains deviennent des actes de libération, compliqués et politisés par la lutte imminente pour le droit à la vie privée à la dernière frontière : nos esprits.
Diane Kaneza
Depuis 15 ans, Diane Kaneza allie magistralement cinéma, communication audiovisuelle et journalisme. Sa passion pour l'image la pousse à raconter des histoires captivantes de son pays natal. Diplômée du Master 2 Cinéma Documentaire de Création (Université Gaston Berger de Saint louis - Sénégal), elle a produit le film « Mon Identité », qui résume son expertise dans l'acuité du regard documentaire et sa capacité à créer à partir du réel. « Mon identité » a été sélectionné aux Trophées Francophones du cinéma en 2018, présenté en clôture du festival du documentaire de Saint-Louis et présenté aux États Généraux du documentaire à Lussas. Il a également été projeté au Festival de Poitiers, dans la catégorie « Quand le Cinéma s'indigne » avec Amnesty International.
Depuis 15 ans, Diane Kaneza allie magistralement cinéma, communication audiovisuelle et journalisme. Sa passion pour l'image la pousse à raconter des histoires captivantes de son pays natal. Diplômée du Master 2 Cinéma Documentaire de Création (Université Gaston Berger de Saint louis - Sénégal), elle a produit le film « Mon Identité », qui résume son expertise dans l'acuité du regard documentaire et sa capacité à créer à partir du réel. « Mon identité » a été sélectionné aux Trophées Francophones du cinéma en 2018, présenté en clôture du festival du documentaire de Saint-Louis et présenté aux États Généraux du documentaire à Lussas. Il a également été projeté au Festival de Poitiers, dans la catégorie « Quand le Cinéma s'indigne » avec Amnesty International.
ITONGO
(Documentaire, 2025)
Sans droits fonciers, les femmes restent économiquement dépendantes des hommes, ce qui renforce les inégalités entre les sexes. Depuis 2015, dans la province de Muyinga au nord du Burundi, de nouvelles pratiques ont été introduites en matière de certification foncière. Les hommes enregistrent leurs épouses sur les titres fonciers. Cela donne aux femmes de cette province une autonomie financière, car elles peuvent maintenant demander un prêt à une banque et ouvrir une entreprise pour assurer leur indépendance financière. Cette pratique est rarement popularisée, que ce soit chez les femmes instruites ou rurales. ITONGO vise à mettre en lumière cette approche qui montre qu'il existe des moyens possibles et prometteurs de garantir aux femmes la propriété des terres qu'elles cultivent. Le projet prend la forme d'un documentaire de 13 minutes centré sur deux femmes de la commune de Buhinyuza (province de Muyinga) qui, grâce à la certification foncière, sont aujourd'hui des modèles de réussite dans leurs communautés.
(Documentaire, 2025)
Sans droits fonciers, les femmes restent économiquement dépendantes des hommes, ce qui renforce les inégalités entre les sexes. Depuis 2015, dans la province de Muyinga au nord du Burundi, de nouvelles pratiques ont été introduites en matière de certification foncière. Les hommes enregistrent leurs épouses sur les titres fonciers. Cela donne aux femmes de cette province une autonomie financière, car elles peuvent maintenant demander un prêt à une banque et ouvrir une entreprise pour assurer leur indépendance financière. Cette pratique est rarement popularisée, que ce soit chez les femmes instruites ou rurales. ITONGO vise à mettre en lumière cette approche qui montre qu'il existe des moyens possibles et prometteurs de garantir aux femmes la propriété des terres qu'elles cultivent. Le projet prend la forme d'un documentaire de 13 minutes centré sur deux femmes de la commune de Buhinyuza (province de Muyinga) qui, grâce à la certification foncière, sont aujourd'hui des modèles de réussite dans leurs communautés.
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Fayo Said
Fayo Said est une artiste interdisciplinaire et chercheuse artistique originaire d'Amsterdam et d'Oromia (Éthiopie), qui travaille à la croisée de la culture visuelle, des pratiques archivistiques et de la mémoire africaine et afro-diasporique. Son travail consiste principalement à récupérer et à réactiver les archives africaines, en particulier celles d'Oromia, à travers la recherche artistique, la création d'expositions et la production culturelle.
Fayo Said est une artiste interdisciplinaire et chercheuse artistique originaire d'Amsterdam et d'Oromia (Éthiopie), qui travaille à la croisée de la culture visuelle, des pratiques archivistiques et de la mémoire africaine et afro-diasporique. Son travail consiste principalement à récupérer et à réactiver les archives africaines, en particulier celles d'Oromia, à travers la recherche artistique, la création d'expositions et la production culturelle.
Sacré
(Vidéo et texte, 2025)
Ce projet explore le concept de wayyuu, un cadre moral et spirituel central à la culture oromo, et examine son potentiel à informer la pratique féministe et la défense des droits des femmes en Afrique. Le wayyuu, souvent décrit comme un État sacré et vénéré, régit la façon dont les individus et les communautés interagissent les uns avec les autres avec respect et équilibre. Il incarne un code de conduite qui élève le respect des femmes*, de la nature et de l'harmonie sociétale. Dans la culture oromo, wayyuu est souvent associé aux femmes*, qui sont considérées comme les porteuses de ce rôle sacré. Cependant, dans la pratique, cette vénération pour les femmes* peut être paradoxalement liée à leur soumission aux structures patriarcales, où elles sont à la fois élevées et confinées. En revisitant le wayyuu et d'autres cadres culturels des sociétés africaines, ce projet examine comment les traditions autochtones peuvent à la fois renforcer et remettre en question les inégalités entre les sexes. L'œuvre aborde de manière critique la façon dont les périodes coloniales et postcoloniales ont façonné les relations entre les sexes et comment la réappropriation de traditions culturelles comme le wayyuu peut offrir de nouvelles voies pour atteindre l'égalité entre les sexes.
(Vidéo et texte, 2025)
Ce projet explore le concept de wayyuu, un cadre moral et spirituel central à la culture oromo, et examine son potentiel à informer la pratique féministe et la défense des droits des femmes en Afrique. Le wayyuu, souvent décrit comme un État sacré et vénéré, régit la façon dont les individus et les communautés interagissent les uns avec les autres avec respect et équilibre. Il incarne un code de conduite qui élève le respect des femmes*, de la nature et de l'harmonie sociétale. Dans la culture oromo, wayyuu est souvent associé aux femmes*, qui sont considérées comme les porteuses de ce rôle sacré. Cependant, dans la pratique, cette vénération pour les femmes* peut être paradoxalement liée à leur soumission aux structures patriarcales, où elles sont à la fois élevées et confinées. En revisitant le wayyuu et d'autres cadres culturels des sociétés africaines, ce projet examine comment les traditions autochtones peuvent à la fois renforcer et remettre en question les inégalités entre les sexes. L'œuvre aborde de manière critique la façon dont les périodes coloniales et postcoloniales ont façonné les relations entre les sexes et comment la réappropriation de traditions culturelles comme le wayyuu peut offrir de nouvelles voies pour atteindre l'égalité entre les sexes.
Irene A’mosi
Irene A'mosi est une artiste qui explore le mot comme principal moyen d'expression. Avec un travail qui couvre la littérature, le spoken word, le cinéma et l'installation, Irene A'mosi plonge dans les problèmes quotidiens, révélant des détails subtils qui échappent souvent à la perception de l'observateur. Son travail cherche à dévoiler la poétique de l'ordinaire, transformant ce qui semblait banal en une réflexion profonde sur la vie contemporaine.
Irene A'mosi est une artiste qui explore le mot comme principal moyen d'expression. Avec un travail qui couvre la littérature, le spoken word, le cinéma et l'installation, Irene A'mosi plonge dans les problèmes quotidiens, révélant des détails subtils qui échappent souvent à la perception de l'observateur. Son travail cherche à dévoiler la poétique de l'ordinaire, transformant ce qui semblait banal en une réflexion profonde sur la vie contemporaine.
This Character is a Woman (Ce personnage est une femme)
(Vidéo et installation, 2025)
This Character is a Woman est un projet artistique qui explore la vie et les luttes des zungueiras, des femmes angolaises travaillant sur le marché de rue informel, qui sont confrontées à la violence de l'État, à la brutalité policière et à la vulnérabilité économique. À travers la vidéo, la performance et l'installation, le projet dénonce l'image romancée de ces femmes comme symboles de résilience, révélant les dures réalités qu'elles endurent au quotidien.
Au cœur de l'œuvre se trouve une performance dans laquelle plus de 100 rodilhas usés – des coiffes en tissu utilisées pour transporter des marchandises – sont échangées contre de nouvelles dans des actes de sororité et de solidarité. Les vieux radis sont transformés en objets d'art, préservant les histoires de leurs propriétaires, dont beaucoup ont souffert ou ont été réduits au silence par la violence systémique.
L'exposition présente une robe saisissante de 20 kg fabriquée à partir de ces rodilhas, incarnant à la fois la beauté et le fardeau. Cette pièce remet en question les notions de glamour tout en symbolisant le poids littéral et émotionnel que ces femmes portent. This Character is a Woman est un hommage à leur force, à leur visibilité et à leur résistance.
(Vidéo et installation, 2025)
This Character is a Woman est un projet artistique qui explore la vie et les luttes des zungueiras, des femmes angolaises travaillant sur le marché de rue informel, qui sont confrontées à la violence de l'État, à la brutalité policière et à la vulnérabilité économique. À travers la vidéo, la performance et l'installation, le projet dénonce l'image romancée de ces femmes comme symboles de résilience, révélant les dures réalités qu'elles endurent au quotidien.
Au cœur de l'œuvre se trouve une performance dans laquelle plus de 100 rodilhas usés – des coiffes en tissu utilisées pour transporter des marchandises – sont échangées contre de nouvelles dans des actes de sororité et de solidarité. Les vieux radis sont transformés en objets d'art, préservant les histoires de leurs propriétaires, dont beaucoup ont souffert ou ont été réduits au silence par la violence systémique.
L'exposition présente une robe saisissante de 20 kg fabriquée à partir de ces rodilhas, incarnant à la fois la beauté et le fardeau. Cette pièce remet en question les notions de glamour tout en symbolisant le poids littéral et émotionnel que ces femmes portent. This Character is a Woman est un hommage à leur force, à leur visibilité et à leur résistance.
